C'est un début ! ... suite dans la presse francophone à Prague

Entretien avec  Anna Kubista de Radio Prague autour de ma résidence de commissariat à Meetfactory avec le soutien de l'Institut Français et de l'Institut Français de Prague.

http://www.radio.cz/fr/rubrique/culture/jean-marc-avrilla-il-y-a-une-vraie-circulation-des-artistes-au-sein-de-leurope-centrale

Résidence Praha-Paris / C'est un début !

C’est un début !

Exposition autour de la résidence de commissariat de Jean-Marc Avrilla

Nous pensons savoir ce qu’est une exposition : un ensemble d’objets dans un espace dont l’articulation produit une pensée. Une exposition est une forme de texte dont les objets sont des propositions qui par eux-mêmes ont un sens et qui, par leurs relations, développent un sens complémentaire ou en offrent un sens tout différent.

Mais comment – et non pas pourquoi – des objets peuvent s’articuler entre eux ? Là se situe le travail du commissaire. Le pourquoi est la question préalable qui définit le contexte. Le comment est le sens même de l’activité curatoriale qui implique des choix quant au mode d’échange à définir avec l’artiste, quant à la sélection des œuvres ou de l’approche du travail, quant à la mise en espace de ces choix afin de les rendre lisibles aux visiteurs/spectateurs.

Cette exposition tente de rendre compte de la résidence de commissariat de Jean-Marc Avrilla à Meetfactory, d’une durée de deux mois. Cette résidence a été pensée comme un travail exploratoire qui précède tout choix dans la définition d’un ou plusieurs projets d’exposition. Cette exposition tente de faire apparaître comment il a organisé cette recherche sur la scène artistique tchèque afin de pouvoir définir des projets et engager des choix. L’exposition par elle-même est paradoxale car au lieu de parler de ce qu’elle montre, elle tend à souligner les raisons qui amènent les objets, livres, photographies, etc. à se retrouver réunis dans leur différence et leur hétérogénéité.

C’est un début ! présente donc un travail de terrain et les « méthodes » utilisées pour faire émerger des idées et des projets d’exposition. Par un aspect, ce travail relève d’une méthodologie ethnographique : écoute, recueil de témoignages, partage de moments singuliers (rituels de vernissage, visite d’ateliers…), observation des œuvres et de leur contexte. Par un autre aspect, il apparaît comme une non-méthodologie basée sur l’échange avec l’artiste, laquelle est indispensable pour entrer dans son travail et comprendre sa pratique. De cette immersion plus ou moins profonde dépendra la forme générale de l’exposition : solo, thématique, de groupe, terminologie très vague qui masque en réalité une multitude de possibilités pour chaque cas ainsi que de nombreuses combinaisons.

Le commissaire n’est pas un artiste mais le passeur qui permet aux artistes de montrer leur travail au public dans un cadre qui lui conserve sa complexité initiale. Il agit sur un territoire qui ne se réduit pas à l’objet. Il doit rendre compte des processus mis en œuvre par les artistes, de leurs relations particulières aux contextes où naît et se déploie leur travail, décider de prendre en compte ou non l’Histoire, s’engager dans des formes narratives ou, à l’opposé, laisser l’œuvre dans toute sa nudité matérielle… Penser la manière de montrer un travail est pleinement une activité critique plongée dans la réalité des œuvres.

Pour répondre à l’invitation de l’Institut Français, Jean-Marc Avrilla n’a pas souhaité procéder à une sélection d’œuvres d’artistes qu’il a rencontrés, considérant qu’un tel projet était prématuré. Il a opté pour un projet qui témoigne du caractère singulier de son travail et de ses rencontres, en définissant un protocole très simple permettant à chaque artiste, curator ou critique de lui répondre. Chacun d’entre eux a été invité à lui adresser un objet, une photographie, un dessin, une phrase ou un court texte, comme résultant de leur entretien et comme point de départ pour un éventuel projet.

À cet ensemble de documents ou œuvres dont le commissaire ne maîtrise volontairement pas la sélection, s’ajoutent des titres d’ouvrages littéraires, artistiques ou sur tout autre sujet, demandés aux mêmes personnes comme conseil de lecture. Une telle requête apparaît souvent lors du travail entre le commissaire et les artistes, dans l’objectif de mieux cerner l’œuvre elle-même ou une question essentielle pour l’artiste. Mais elle permet aussi d’approcher avec plus de finesse la pensée des curators et des critiques.

Enfin, un ensemble de documents, catalogues d’exposition et imprimés de toute sorte recueillis par le commissaire pendant ces deux mois, est aussi présenté. De tels documents sont importants pour conserver la mémoire d’événements dont certains ne bénéficient pas de publication, et constituent la base même de la recherche curatoriale en devenant son archive.

Documents de travail rassemblés par le commissaire, documents et œuvres envoyés par les artistes, les curators et les critiques rencontrés, livres traitant de questions spécifiques, de littérature ou d’art, forment ainsi trois ensembles correspondant à trois approches développées parallèlement dans le cadre de cette exploration de la scène tchèque. C’est un début ! est ainsi le matériau brut de ce qui devrait arriver par la suite. Les expositions qui en sortiront ne seront réalisées qu’après une étape de filtrage, de décantation de toutes les informations emmagasinées lors de ce séjour pragois.

Ce que cette exposition tente finalement de montrer à travers cette mise à plat peu ordinaire de l’activité curatoriale, est la nécessité du temps : le temps qui permet au commissaire d’écouter les artistes, de converser avec eux, d’entrer dans leur travail, le temps qui permet d’explorer la scène dans son fonctionnement, dans sa structure, comme le temps qui doit permettre aux sujets d’émerger par la suite. La qualité du travail de commissariat doit répondre à la qualité du travail de l’artiste. Le travail de l’un et la recherche de l’autre apparaissent plus que jamais complémentaires.

Artistes et personnalités exposés : Matej Al-Ali, Bajota, Zbynek Baladran, Viktor Cech, Radovan Cerevka, Andras Csevalfay, Tomas Dzadon, Grzegorz Drozd, Jarmila Mitrikova & David Demjanovic, Vit Havranec, Radim Langer, Michal Moravcik, Tomas Moravec, Oldrich Morys, Jiri Skala, Jan Pfeiffer, Matej Smetana, Jiri Thyn, Tamas Szvet, Adam Vackar, Pavel Vancat, Tomas Vanek, Jaro Varga, Dusan Zahoransky.

Julius Koller, Grzegorz Drozd, Tomas Vanek

Grzgorz Drozd, Marikaban, 2012.

(I'm sorry for English language people, but translation needs time. It's coming as soon as possible)

Pas de nouvelle depuis le 15 septembre et pourtant beaucoup d’événements. Les rencontres avec les artistes, les curators et les critiques se poursuivent à un rythme soutenu, me laissant peu de temps pour l’écriture, encore moins pour la traduction. D’autres posts me permettront de revenir sur certaines des personnalités rencontrées à Prague et à Bratislava.

Plusieurs expositions ont retenu mon attention. Tout d’abord la présentation d’une partie des archives de l’artiste slovaque Julius Koller (1939-2007) à Tranzit Prague, réalisée par l’historien de l’art et curator Tomas Pospiszyl. La moitié des archives de l’artiste est conservée à la Galerie Nationale de Brastislava, l’autre moitié par une association d’amis de l’artiste. Cette dernière est présentée à Prague selon un principe simple de boîtes conservant les ensembles que l’artiste avait constitués. Histoire de l’art, Archéologie, Histoire de la Science-Fiction, Illustration d’enfants, etc., posées sur des étagères entourant une table de consultation. Le commissaire de l’exposition ou son assistant manipule un ensemble très hétérogène de documents jaunis. L’intérêt est que ces documents conservent toute leur ambiguïté quant à leur statut de document de travail ou d’œuvre. Nul ne peut s’avancer sans trahir l’œuvre même de cet artiste, et on sent avec ces documents combien il a tenté de penser l’art au cœur de la vie et non dans un espace adjacent. Ce qui me paraît le plus remarquable, est précisément cette manière de se porter vers des sujets qui n’ont rien de politique, et que, par cette attitude, il redonnait force et puissance à ces sujets. Cela apparaît comme une forme de fausse naïveté qui ré-enchante le monde. Et quand on se souvient du contexte, on se rend compte de la force de subversion qu’il a fallu à cet homme pour surmonter le système politique en place qui régissait tout jusqu’à l’art. (http://cz.tranzit.org/en/exhibition/0/2012-09-11/jlius-koler-archive-study-room)

Une autre exposition, elle aussi modeste par son ampleur mais très percutante par sa mise en œuvre et son propos, est celle de Grzegorz Drozd à ETC Galerie, lieu à vocation non commerciale. Grzegorz Drozd revient de plusieurs mois aux Philippines et plus particulièrement du village de Marikaban. Loin de l’art occidental, il a cherché une nouvelle approche qui lui permette de continuer son travail critique de l’institution, au double sens de l’institution comme structure de présentation et comme système de production. Il revient avec un certain nombre d’objets produits en collaboration avec le shaman du village, et qui ont un pouvoir magique. Tout l’intérêt de cette « exposition » est de créer un véritable hiatus entre l’œuvre d’art fétiche telle qu’elle fonctionne dans notre société occidentale et l’objet au pouvoir magique (les Aswangs) tel qu’il est vécu dans cette tribu des Philippines. Un œuvre d’art peut-elle posséder ces deux caractères ? Doit-on réintroduire de la magie dans l’art pour se déposséder du fétichisme ? Au delà de ces questions que certains trouveront folkloriques, il s’agit bien d’interroger ce que nous produisons comme art et ce que nous souhaitons faire de cet art. Des questions qui me paraissent fondamentales : que voulons-nous faire ? (http://etcgalerie.cz/grzegorz-drozd-1409-7102012/637/)

Le troisième projet dont je souhaitais rendre compte est une intervention et une exposition de Tomas Vanek. L’une et l’autre n’ont pas de rapport si ce n’est l’artiste et la manière dont il se glisse dans la réalité d’espaces précis. L’intervention a lieu au rez-de-chaussée d’un immeuble couvert de graffiti. Son jumeau d’à côté a, lui, été nettoyé par les services de la ville. Une association a pris les choses en main, rénové le hall et l’a transformé en une galerie d’art dont l’objectif n’est pas seulement de montrer des œuvres mais œuvrer à la promotion des relations de bon voisinage. Loin d’être une utilisation purement sociale de l’art – mais doit-on s’excuser de considérer que l’art possède réellement une valeur sociale ? – l’intervention de Tomas Vanek a consisté à peindre l’extérieur du rez-de-chaussée à la bombe et au pochoir, répétant un motif de carrelage rectangulaire noir des plus basiques. Ainsi les graffiti ne disparaissent pas totalement mais sont atténués par leurs propres armes et par un geste pictural des plus simples et des plus modernes. L’utilisation de la bombe comme du pochoir est un acte fondamental de la pratique de l’artiste, une manière pour lui de continuer la peinture en lui retirant tous les oripeaux des académismes successifs, pour aller à l’essentiel, couleur et espace. Car l’exposition présentée à Futura-Karlin Studios propose une série de cahiers de dessin  utilisés dans toutes les écoles, où Tomas Vanek à peint, selon le même principe, des motifs qui se déploient tout au long des pages. Flèches, motif de planches, punaises, illusion de classeur… toujours un motif unique qui déroule sa forme et surtout le détournement de son utilisation tout au long de l’espace même du cahier. Présentés dans un espace consacré au seul dessin (son nom est Karton) créé par des étudiants de l’Académie des Beaux-Arts où T. Vanek est professeur, ces cahiers sont comme des exercices mais avec un impact visuel aussi fort que ses « Particips », installations qui jouent sur le contexte même de l’exposition en considérant l’art à partir des petites choses de la vie.(http://www.particip.tv/)